Obtuvo en 2003 el Premio de Residencia en la Bienal del Caribe (República Dominicana), así como el Segundo Premio en el Primer Concurso Centroamericano de Artistas Emergentes en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) de Costa Rica. En 2004 obtuvo el Primer Premio en la IV Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano.

Conlon participó en la 51a Bienal de Venecia en 2005, tanto en la exhibición Siempre un poco más lejos, curada por Rosa Martínez, como en la del Pabellón del Instituto Italo – Latinoamericano, La trama y la urdimbre, curada por Irma Arestizábal.

En 2007 recibió una subvención para artistas emergentes de América Latina de la Fundación Cisneros Fontanals (CIFO), y el mismo año fue invitada a participar en la 3a Trienal de Auckland. En 2008 participó por segunda vez en la Bienal de Panamá y en 2009 participó en la 10ma Bienal de la Habana. En 2010 participó en la Bienal de Pontevedra (España), y con Jonathan Harker, recibió una subvención de la Harpo Foundation para producir nuevas obras colaborativas para ser exhibidas en Teor/éTica en San José, Costa Rica.

En 2011 participó en la 8a Bienal del Mercosur (Brasil).

(video) juegos 2008-2009

(video) juegos 2008-2009

(video) juegos 2008-2009

Mi trabajo es una búsqueda socio-arqueológica en mis entornos inmediatos. Recojo y acumulo objetos ordinarios e imágenes de mi vida cotidiana y mi ambiente usual; las uso con el objetivo de revelar las idiosincrasias del ser humano y las contradicciones inherentes en nuestro estilo de vida contemporáneo. Donna Conlon.-

Panamá es una ciudad moderna y orgullosa. A pesar de haber sido recientemente considerada por The Economist como la quinta ciudad más barata del mundo, cuenta con una arquitectura que simboliza todo lo contrario: Panamá manifiesta sus aspiraciones —y delirios— de grandeza construyendo alto y bonito. Lo que fue el primer asenta­miento colonial en la costa del Pacífico americano está ahora sembrado de rascacielos, con un skyline de película que incluye las cinco torres más altas de Latinoamérica. La tendencia a lo vertical de su arquitectura y la tendencia al spanglish de su gente le ganan constantes comparaciones con Miami, a veces con orgullo, a veces con desdén. Y es que por apuntar a ser una metrópoli de primer mundo, nuestros edificios modernos son, con muy contadas excepciones, paralelepípedos con mucho cristal que de no ser por un par de balcones y aleros, bien podrían estar en cualquier sitio.

Pero entre tanta modernidad genérica se da también un lenguaje alternativo, delirantemente decorado con ornamentos clásicos. En estas torres de apartamentos con nombre de casino de Las Vegas —The Mirage, Bellagio Tower, Venetian Tower— las columnas de orden gigante y capiteles corintios existen felizmente junto a losas planas y muros cortina. Esta es la Arquitectura Feoclásica Panameña.

El epónimo proyecto de documentación y publicación, albergado en http://arquitectopana.com/feoclasico, busca contextualizar y valorizar este estilo de arquitectura que es producto de nuestra cultura de apropiación —en el sentido de tomar de otro lugar, adecuarlo al nuevo medio, o simple­mente adoptarlo como propio— tan presente en todo lo que hacemos. Luego de una ponencia y un par de artículos, la etapa presente del proyecto consiste en un atlas en línea con las obras más relevantes en todo el país, acompañadas con fotografías y datos interesantes sobre cada edificio: un work in progress inacabable.

Empecemos explicando el neologismo. Feoclásico es un portmanteau: una palabra compuesta que designa esta degeneración de la arquitectura clásica grecorromana que todo buen esnob encuentra tan repulsiva. El Feoclásico es la alegre aplicación de decoración historicista, aplicada sin muchos escrúpulos. Junto a las arquitecturas clásica y neoclásica, la Arquitectura Feoclásica culmina un ciclo original-revival-decadencia. Es una arquitectura superficial y de superficies: de fachadas, y especialmente de la fachada frontal. Se hace recubriendo el edificio con los ornamentos que simbolizan la idea arquetípica de Arquitectura —colum­nas con capitel, balaústres, frontones— que tradicionalmen­te denota a instituciones respetables como templos, cortes y bancos. Así, el Feoclásico inviste a cualquier construcción, por modesta que sea, con asociaciones simbólicas al poder político, eclesiástico y monetario; ¿y quién no querría eso de su edificio? Lo que distingue al Feoclásico de otros posmodernismos es que esta rocalla simbólica parece salir de la memoria y creatividad del arquitecto (o del cliente) y no del estudio concienzudo de los modelos clásicos y de las normas que regían su ornamentación.

El Feoclásico aspira a Atenas, pero produce Las Vegas. Es una arquitectura lúdica y ludopática. Las Vegas se visita por pocos días —e idealmente en estado de embriaguez— pero el Feoclásico es un Las Vegas perenne donde hay que vivir toda la vida. El Feoclásico está también emparentado con la arquitectura efímera del carnaval de Las Tablas: carros alegóricos, tronos de coronación, fantasía y donaire, escarcha y lentejuela. El Feoclásico extiende estos excesos durante el resto del año, todos los años.

Pueden distinguirse dos grandes clases de Feoclásico. El más abundante es el Feoclásico Popular, generalmente anónimo y de pequeña escala, que se utiliza en residencias y parques en todo el país para demostrar riqueza (“aquí viven profesionales de éxito”) o inspirar a la conmemoración (“I Am a Monument”). Aunque a veces se presenta en construcciones nuevas, generalmente aparece como un proceso gradual y aditivo sobre edificios preexistentes, revistiendo capitel por capitel y balaústre a balaústre una casa o una barriada completa. Más notable es el Alto Feoclásico, grandilocuente y particularmente ofensivo, endémico de la ciudad y de los suburbios y desarrollos vacacionales más exclusivos. Es alto por sus pretensiones más refinadas y porque se aplica principalmente en torres de apartamentos de lujo. A diferencia del Popular, éste es un Feoclásico de autor —de Arquitecto— de allí que también se llame alto por su precio.

Como América se conquistó a inicios del siglo XVI, la primera Arquitectura con A mayúscula de nuestro continente fue de estilo Barroco, rica pero rigurosamente ornamentada. Este estilo, católico y de la contrarreforma, usaba sus fachadas y retablos profusamente decorados como herramientas evangelizadoras que expresaban la gloria de Dios y de la Santa Madre Iglesia. El Barroco de Indias es un estilo mestizo basado en la imitación de modelos europeos usando mano de obra local, por lo que es inevitablemente influenciado por la estética nativa. Estas características —siempre presentes en la arquitectura panameña— desembocan 500 años más tarde en el Feoclásico, que es la apoteosis de lo híbrido, lo imitativo y lo ornamentado.

Puede decirse que el Feoclásico nació casi al mismo tiempo que Panamá. A pocos meses de fundada la República en 1903 el gobierno inicia una campaña de construcción de grandes edificios públicos para la capital. Para diseñarlos vino a Panamá el italiano Gennaro Ruggieri. Todos sus edifi­cios —Teatro Nacional, Palacio Municipal, Instituto Nacional y Palacio de Justicia— usan un tosco y recargado estilo renacentista, una arquitectura que por medio de la imita­ción y el ornamento aspira a acercar a los panameños a las glorias del Viejo Continente. Durante el resto del siglo XX, la arquitectura panameña continuó inspirándose en otros sitios y otros tiempos, ya sea las misiones californianas en los treintas o la Brasilia Corbusiana en los sesentas. Las referencias a las glorias de Grecia clásica y la Roma imperial que nos ocupan aparecen a mediados de los noventa. Inicialmente aplicado en residencias o pequeños proyectos institucionales, el Feoclásico rápidamente se extendió a proyectos de mucha más altura y mucha más visibilidad; para 2000 ya teníamos múltiples ejemplos, incluyendo hospitales y torres de apartamentos, y en los últimos 12 años se han hecho legión.

Como todo movimiento de vanguardia, el Feoclásico ha sido grandemente ignorado por el establishment. La acade­mia y la crítica generalmente lo descartan como el producto del mal gusto de los nuevos ricos, como mala arquitectura, como algo de lo que no se debe hablar, y discretamente miran hacia otro lado. Había que hacer algo al respecto. Primero lo primero: bautizar el fenómeno. Como Jencks panameños, en 2010 proponemos llamarlo Feoclásico, y —por alguna razón— el término caló rápidamente. Siguió una ponencia, una exhibición y un ensayo publicado en un libelo, todo para dar un contexto histórico y teórico a la Arquitectura Feoclásica Panameña, y reivindicarla como una manifestación válida y valiosa de la cultura local.

 La Arquitectura Feoclásica es una clara expresión de nuestro espíritu nacional, producto del amor latinoamericano por el ornamento y la ostentación. Está en todas partes, y hay muchos que lo aprecian sinceramente; nuestra tesis es que tenerle afecto no tiene nada de malo. Estamos convencidos de que es lo más interesante que ha surgido de nuestro medio construido en las últimas décadas. Cada vez hay más profesionales interesados en estudiarla y documentarla, y más edificios expandiendo los confines de esta Nueva Arquitectura. Queda por verse cuál es la siguiente fase de este proyecto: quizás una Fundación Amigos del Feoclásico o hasta un Congrés International d´Architecture Feoclassique.

Darién Montañez y Carla García de los Ríos
Texto publicado en Revista RARA No. 7

La singular obra de Carlos Endara sale de Panamá por primera vez para exhibirse en una antológica individual que incluye copias de época y nuevas, negativos en vidrio, retratos iluminados y 150 tarjetas de visita. Casi desconocido, el trabajo de este pionero de la fotografía regional perdura como testimonio de la historia del Panamá de fines del siglo XIX y la primera mitad del XX.

Endara legó un retrato de un Panamá “feliz”. Con un empeño casi mesiánico, retrató lo que él veía como una sociedad venturosa, precisamente porque el motor del engranaje socioeconómico era un conjunto de contradicciones en constante transformación. Lo que distingue a Endara de los fotógrafos de su época es la amplitud de su registro humano y ambiental. Con un estilo frontal, directo y elocuente, fotografió a pobres, inmigrantes, familias y parejas sin ceñirse en exclusiva a los acaudalados sino retratando a personas de distintos orígenes étnicos y niveles económicos. Así logró fijar la diversidad humana que llegaba a Panamá en busca de mejores modos de vida.

Biografía:
Carlos Endara (Ecuador, 1867 – Panamá, 1954) llegó a Panamá en 1886 en busca de su padre, quien trabajaba para la construcción del Canal Francés. Empezó su carrera profesional como dibujante y después trabajó con un fotógrafo francés, quien le enseñó el oficio. Tras un tiempo asociado con Epifanio Garay fundó su propio estudio que marcaría época. Sus imágenes han ilustrado periódicos y revistas de Panamá como Épocas, El País, Panama Mirror, Estampas y la página dominical Raíces del periódico La Prensa.

Comisaria: Adrienne Samos

Organizan: Casa de América y PHotoEspaña
Fecha: Del 2 de junio al 11 de septiembre de 2011.
Horario: de lunes a sábado de 11.00 a 20.00. Domingos y festivos de 11.00 a 15.00.
Entrada libre

Sin embargo, el lenguaje del cine ha cambiado poco desde los maestros como Hitchcock y Wells e inclusive más atrás: los expresionistas o la escuela rusa. Hoy la narrativa estilística de gran parte del cine comercial nos trae lo que David Bordwell denomina la “continuidad intensificada”[1]— hija de la amenaza del zapping y de MTV—, concepto que reúne la disminución de los segundos de duración de cada plano, el uso abusivo de la cámara subjetiva y los primerísimos planos, entre otros.

Estas novedades de formato y narrativa son precisamente el reto a vencer desde la perspectiva de la formación de públicos entre los 15 y los 25 años, rango de edad que detenta la mayoría del público que va al cine. La asistencia cuelga de un hilo y si además queremos que vean películas de Takeshi Kitano y disfruten de There Will Be Blood, cuya duración promedio de plano es de 10 segundos, el reto se agudiza exponencialmente.

Las 98 pantallas grandes en Panamá —país que cuenta con tres millones y medio de habitantes, de los cuales una reducida minoría va con frecuencia al cine— muestran casi las mismas películas. Y es que las distribuidoras han perdido la fe en la capacidad del mercado local para atraer cine menos comercial.

Es allí donde el gestor cultural, negociador y puente por vocación, debe buscar soluciones y, desde las sombras —como “Garganta Profunda”, el sagaz informante de Todos los hombres del Presidente—, propiciar las estrategias para que el nuevo público descubra elementos que lo ayuden a una lectura entre líneas más honda y una mirada más abierta a todas las opciones que el cine ofrece.

Pero sobre todo, el gestor cultural debe ayudar a cada uno de los integrantes de ese público a descodificar los lenguajes ideológicos y estéticos, y modelos de vida del séptimo arte, con una mirada más crítica, que lo ayude a tomar decisiones personales y ubicarse en un lugar más cercano a su verdadera opinión. Por otra parte, en ese proceso de mirar el cine de manera colectiva, se redescubre a la vez el placer de lo gregario y de la exaltación compartida, enriquecida por la suma de lecturas individuales de los participantes.

Ejemplo fehaciente de ello es el proceso que llevo diez años experimentando en mi curso de “Apreciación de Cine”: la sucesión de 13 sesiones sabatinas en los Cines Alhambra de Panamá, que atrae a más de 400 personas al año.

El curso arranca de un principio de democratización de la cultura: un precio simbólico (auspiciado por la Agencia Española de Cooperación Internacional) y un formato participativo (clase + película + foro) que ha servido también para estimular el talento y la creatividad de muchos, y a generar un mejor mercado para el buen cine. El auditorio termina siendo un grupo intergeneracional de apasionados que comparten la lectura que cada uno hace de cada sesión. A través de Facebook, correos electrónicos y otros, el grupo de cada año se convierte en un espacio de divulgación para estrenos de calidad.

Algunas de las dificultades de sistematización del curso vienen precisamente de su éxito: más del 35% del grupo acude de tres a cinco años seguidos en promedio. Esto obliga al curso de “Apreciación de Cine” a mantener cuatro pilares inamovibles —introducción, guión, producción y edición—, para luego ir cambiando las clases cada año a partir de distintos ejes transversales: los géneros, cines nacionales, historia del cine, cine y política, etc. De esta forma, se mantiene el conocimiento indispensable para entender la mecánica de base para realizar una película, sin aburrir a los que participan en múltiples ocasiones.

Con un enfoque académico,“sin querer queriendo”, el curso pasa por clases que van desde la ideología del cómic o el posmodernismo en el cine de Tarantino, al nacimiento de Drácula y otros, con un menú variado, que además ha fomentado una cultura del cine-club a partir de la misma selección de películas que se ofrece cada año.

Se podría resumir esta estrategia para crear nuevos consumidores culturales de la siguiente manera: un espacio comercial (el cine), una relación académica desde lo informal (expositores que no enseñan, sino comparten), una campaña publicitaria consciente de su público meta (con humor y para jóvenes), una mirada desde la cartelera actual como excusa para introducir la cartelera histórica, invitación a distintos especialistas cada sábado (variedad) y mucho apoyo audiovisual (con extractos) para un público definido que, acostumbrado a sus dos segundos de duración promedio de plano, logre relajarse y pueda concentrarse para apreciar lo que el cine puede dar.

Editores: Gerardo Mosquera y Adrienne Samos
Diseño Gráfico: Orosmán de la Guardia
Bisagras: Alberto Gualde (textos), Johantan Harker (performances y concepto visual), Dominique Ratton (fotografía)
Traductores: Cola Franzen y Alberto Gualde

Contenido editorial

Ciudad Múltiples, los artistas y sus obras
La ciudad de Panamá antes y ahora
La recuperación de la Zona del Canal
La arquitectura y la ciudad
Urbanismo ciudadano
Privacidad, publicidad, incertidumbres

ciudadMULTIPLEcity fue provocado por la ciudad de Panamá. A menudo en los eventos de arte urbano primero viene la idea y después la ciudad. Esta actúa más bien como sede, un lugar donde se unen la voluntad, la energía, la organización, el marco institucional y, sobre todo, el presupuesto para llevar a cabo la idea. No quiere decir que no se hagan obras valiosas, y en respuesta directa a cada ciudad, pero la concepción de este tipo de encuentros suele ser genérica. Nuestro caso funcionó al revés. Las características únicas de la ciudad de Panamá nos sedujeron a idear un proyecto artístico cuya protagonista fuese la urbe.

Textos que hablan sobre este proyecto: Arte con la ciudad, Adrienne Samos y Gerardo Mosquera y El arte de la democracia Stephen Zacks.

Bisagras // Serie de 30 fotografías; 40.6 cm x 25.4 cm c/u
Colaboración con Dominique Ratton y Alberto Gualde

Las bisagras fueron comisionadas por la fundación ArtePanamá para separar las secciones (de allí su nombre) del catálogo de Ciudad Múltiple, un evento masivo de arte público que se llevó a cabo en la ciudad de Panamá durante los primeros meses del 2003. Inspirada en los breves e irónicos textos que escribió Alberto Gualde sobre algunos de los aspectos más sobresalientes e idiosincráticos de la ciudad, y fotografiada por Dominique Ratton, la serie de imágenes sobrepasó su función original, y se convirtió en una obra en sí misma.
Jonathan Harker.-

En la ciudad hay casi tantas religiones como habitantes. Los templos indostanos, Bahai, budistas; las iglesias, sinagogas y mezquitas se erigen junto a cultos informales que florecen en patios y tugurios.

El Canal de Panamá se construyó entre 1904 y 1914. En esos diez años la población que habitaba la capital panameña se duplicó.

En el 2003 Panamá celebró su primer centenario como república independiente. En el 2003 se celebró el concurso de Miss Universo en Panamá.

A través de innumerables asociaciones, grupos de estudio, coleccionistas de recuerdos, promotores de museos y páginas web, los zonians ejercen su nostalgia por el paraíso del que fueron expulsados al revertir la Zona del Canal a Panamá.

La vegetación panameña se desarrolla en los rincones más insospechados e impropios de la urbe. El escritor mexicano Carlos Fuentes (que no en balde nació en Panamá) ejemplificó esta simbiosis en un cuento memorable ambientado en la capital panameña. Su protagonista ve cómo, después de un aguacero violento, le florece una hermosa orquídea en el culo. Luego de reacciones contradictorias decide enriquecerse con la venta de sus propias orquídeas. Cuando se arranca la flor encuentra la muerte, incapaz de sobrevivir sin su extensión vegetal.

Brooke Alfaro – Aria, 2001

Con apenas medio siglo de vida, hablar de la historia del videoarte parece una broma. No obstante, hay mucha historia que contar. La primera cámara portátil de video salió al mercado en 1967 y hoy la vemos como un engendro salido de una mala película futurista de antaño. La Sony Portapak era cara, pesaba 20 libras y editar era una pesadilla, pero (con mucho esfuerzo) una sola persona podía manejarla y rebobinar al instante para revisar lo grabado. Hecho que revolucionó nuestra manera de captar el mundo y “capturarlo”.

La Portapak por primera vez puso en manos de individuos lo que antes era el privilegio exclusivo de los conglomerados televisivos y, en primer lugar, del ejército norteamericano, que provocó y financió su invención (así como el internet poco después). La Fuerza Aérea de los Estados Unidos utilizaba los primeros Portapaks en Vietnam para verificar adónde caían sus bombas. A menudo “la fuerza motora es la conquista”, nos recuerda el videasta e historiador Chris Meigh-Andrews.

La tele: objeto del deseo

Quizás esa misma condición —el individuo frente a las grandes estructuras de poder— fue la que bautizó el primer videoarte como un arma de resistencia. Los primeros artistas del video (el coreano Nam June Paik, el inglés David Hall, el alemán Wolf Vostell o el chileno Juan Downey, pionero en América Latina) arremetieron contra las cadenas televisivas, cuya programación veían como manipuladora de masas.

Si bien el “enemigo” número uno era la televisión, también era el objeto del deseo. Los videoartistas soñaban con aprovechar su tremendo potencial persuasivo, y aparecer en las casas de miles de familias. Concebían obras para ser emitidas por televisión, aunque rara vez lograron “entrar” en ella.

El arte más democrático

La radical novedad tecnológica del video motivó a jóvenes artistas a cuestionar la pintura y la escultura tradicionales, considerándolas anticuadas. El video reivindica lo cotidiano: la fusión de vida y arte.  Igual que la fotografía, el video puede reproducirse sin perder valor, fenómeno que transformó las reglas del juego para los coleccionistas y el mercado del arte.

Hace tan solo 20 años, el video como arte todavía se mantenía al margen de los museos y galerías. Casi de golpe, los vertiginosos avances en la tecnología electrónica, análoga y digital a partir de los 90, lo convirtieron en el más global de todos los medios artísticos. De fácil digitalización, reproducción, compresión y distribución, además de su fenomenal ubicuidad gracias a la televisión, el internet y fenómenos cibernéticos como YouTube, no hay arte más accesible y democrático que el video.

Como antes sucedió con la fotografía y luego el cine, el video revolucionó nuestra manera de captar el mundo y “capturarlo”, a través de un lente.  Hoy el mercado ofrece aparatos ultralivianos, con óptima resolución de imagen y fáciles de editar.

Más allá del arte, el video se ha convertido en el medio documental por excelencia. Para saber lo que pasa en el mundo, la gente prefiere mil veces ver imágenes en movimiento que las estáticas. El álbum de familia ha tenido que ir cediendo terreno a los videos caseros y a los populares reality shows.

El videoarte en Panamá

Como toda manifestación estética, el videoarte debe ostentar ciertos “poderes”. Ser capaz de sorprender, por ejemplo, o decepcionar expectativas (es decir, traicionar hábitos perceptivos para incitarnos a trascenderlos). Ampliar las emociones y los sentidos. Retarnos, alterarnos. Motivarnos a pensar, a cuestionar, a cuestionarnos. No es poca cosa.

¿De qué recursos se vale el videoartista? Me atrevería a condensarlos en cinco estrategias básicas: actuar, documentar, inventar, combinar y editar. Veamos cómo se traducen estas estrategias en la obra de dos de los mejores artistas del video de Panamá: Donna Conlon y Brooke Alfaro. Pero antes aclaro que no son los únicos que han trabajado el videoarte con éxito en Panamá, como lo demuestran obras salientes de Humberto Vélez, Ramsés Giovanni, Ramón Zafrani y Abner Benaím, por ejemplo.

Jonathan Harker merece aquí una mención aparte muchas de sus mejores obras se decantan en este medio y ya es ampliamente reconocido como uno de los videoartistas más importantes de la región. Su escenario preferido es la ciudad, percibida como hostil y enajenante, pero a la vez como territorio rico en posibilidades creativas. Jonathan y Donna han colaborado en varios videos, entre los que destaca su extraordinaria serie reciente, titulada (Video)Juegos.

Donna Conlon – Coexistencia, 2003

Donna Conlon y la acción

Desde sus inicios, el videoarte exploró el cuerpo en acción y sus posibilidades estéticas, psicológicas y metafóricas. Se alían dos tipos de expresión radicalmente opuestos en su génesis: la acción corporal y la imagen digital. Ni el uno ni el otro fue reconocido en el ámbito de las artes visuales hasta bien entrado el siglo XX.

Por un lado, la performance (‘arte de acción’ en vivo) tiene orígenes arcaicos: el teatro y la religión desde antaño dotaron de poder simbólico al ritual histriónico. Por el contrario, el video proviene de la era tecnológica. Es así como cierto videoarte fusiona lo inmediato (la experiencia viva, el artista y su cuerpo) con lo mediático (cuyos recursos permiten recrear esa acción de incontables maneras). Ambas expresiones salen enriquecidas de su convergencia.

El estilo de los videos de Donna Conlon es directo, en tiempo real, con la cámara estática, sin montajes elaborados ni efectos especiales. Sus piezas –cuya protagonista frecuente es la basura que producimos– pueden catalogarse de videoperformances porque no son la mera documentación de unas acciones (o performances). Son acciones para ser filmadas. Acciones mediáticas. En ellas no es posible escindir un lenguaje estético del otro.

Mediante secuencias ininterrumpidas, vemos las manos de la artista que repiten meticulosa e incesantemente ciertas acciones absurdas, lúdicas. En Refugio natural la mano de Conlon levanta un sinnúmero de latas, vasos plásticos y otros desechos que contaminan áreas verdes, para descubrir que alguna vida animal ha hecho de ellos su hogar. En Más me dan, sus manos van abriendo, una tras otra tras otra, como infinitas cajas chinas, bolsas plásticas de almacenes de todo tipo. Para Fantasmas urbanos, Donna recogió desechos de la calle –tales como tapitas de cerveza o soda, y cajetillas de fósforos– que fue apilando para emular los rascacielos de Punta Paitilla que aparecen en el trasfondo.

Coexistencia es uno de sus trabajos más impresionantes. La acción en pantalla no la ejerce ella, sino un conjunto de arrieras (hormigas cortahojas) que marcha por la paz. Con infinita paciencia e ingenio, Donna pintó en hojitas de papel las banderas de todos los países del mundo, así como el signo de la paz, y logró que las arrieras las transportaran a su nido. El video documenta la insólita procesión.

El arte de Donna posee un evidente filo crítico, aunque exento de juicios condenatorios. Bióloga de profesión antes de formarse y ejercer como artista, ha trabajado siempre con los ojos bien abiertos a las maneras como la sociedad y la naturaleza se relacionan y se transforman mutuamente. En el marco de una radical simplicidad, Donna continúa explorando y ampliando una de las estrategias más poderosas del videoarte: la acción.

Brooke Alfaro y el montaje

Si Donna prescinde casi por completo de los trucos del montaje, para Brooke esta estrategia resulta esencial. Modulaciones y contrapuntos en el ritmo, en los encuadres y en el sonido buscan sorprender, intrigar y multiplicar los posibles significados de sus videos. Construidos a manera de partituras musicales o poemas, su lógica rebasa los límites de la narrativa.

A fines de los 90, Brooke dejó de lado la pintura, a la que había dedicado dos décadas de su vida, para adentrarse de lleno en el video. Los protagonistas de su arte siguieron siendo los mismos: la gente humilde, en especial los vecinos del barrio de San Felipe, con quienes el artista ha establecido sólidos lazos de amistad. Sin ocultar la crudeza de sus vidas, Brooke ofrece una mirada entrañable, de respeto por mujeres, hombres y niños que encuentran mil maneras de sacarle provecho a su única certeza: el presente.

En sus videos, Brooke desdibuja los límites entre la realidad y la ficción porque los personajes no solo se representan a sí mismos; siguen un guión cuyo mensaje es esquivo. Se repiten extraños sonidos que funcionan como hilos conductores y perturbadores a la vez. En ocasiones, las personas aparecen descompuestas en múltiples segmentos en movimiento, reconfigurándose en elaborados juegos formales.

Repasemos tres obras importantes. En Aria la cámara nos muestra un caserón en ruinas. El audio refuerza la sensación de deterioro, con sonidos ásperos y repetitivos, pero suavizados por una voz que canta un aria. La extraña belleza arquitectónica y humana existente en este lugar decrépito, emerge con plenitud hacia el sorpresivo final.

En una de las tres versiones de Golpe, todo está negro. Se escucha, una y otra vez, un golpe seco. Por un brevísimo instante, aparece el acto que produce el golpe. El espectador debe hilar el sonido con un efecto que no es del todo comprensible.

Para Nueve, su proyecto más ambicioso hasta la fecha, Brooke trabajó durante más de un año con dos pandillas rivales en Barraza, uno de los barrios más pobres de la ciudad. Las convenció de que cantaran (cada pandilla por separado) una canción del popular cantautor El Roockie. Los dos videos se proyectaron, uno al lado del otro, en la fachada de un edificio en Barraza, con la comunidad como principal espectadora. La reacción del público –los “locales” y los no residentes del barrio– fue intensa y conmovedora.

En años recientes, Brooke ha regresado a la pintura, pero creo que la experiencia con el video cambió el curso de su arte pictórico: ha simplificado la composición, suprimido los elementos narrativos y, en general, pinta retratos frontales. El video parece haber satisfecho sus ansias de contar anécdotas. Ahora prefiere concentrarse en la materialidad de la pintura misma y su potencial para captar las honduras de la condición humana.

Ya acabo

En conclusión, el video se ha convertido en una forma ultraconsagrada por el mundo del arte, incluyendo el panameño, y un sinnúmero de videos pertenecen a prestigiosas colecciones institucionales y privadas. Ahora bien, si es cierto que hasta yo puedo filmar un video, hacer arte en video es otra historia muy distinta.

Adrienne Samos.-
Versión ampliada del artículo homónimo publicado en la revista En Exclusiva, Panamá, Marzo 2011.

Johann se tituló como arquitecto en Isthmus Escuela de Arquitectura y Diseño de Latinoamérica y el Caribe, en el año 2005. Realizó su práctica profesional en México en el estudio del arquitecto Isaac Broid .Al graduarse empieza su carrera profesional en la firma Erik Wolfschoon y Asociados. En el 2007, en búsqueda de explorar nuevos caminos y propuestas, establece su propio estudio de arquitectura: SKETCH.

Además de ejercer su profesión de arquitecto, tiene una especial inclinación por el arte, la moda y el diseño en general. En el 2005 colabora, junto a Ramón Zafrani, en la museografía de la 7 Bienal de Arte de Panamá, curada por Rosina Cazalli.

En el 2006, junto a un equipo de jóvenes panameños, crea la marca y tienda conceptual DiabloRosso; establecida con el propósito de promover artistas jóvenes nacionales e internacionales en todas sus manifestaciones.

Hoy en día dirige la galería de arte con el mismo nombre, la cual se ha consagrado en Panamá como una de las galerías de vanguardia para la promoción del arte emergente. En el 2009, bajo su dirección, la galería es aceptada como expositor en la feria de arte contemporáneo MACO México, y empieza a establecerse como una galería con perfil internacional. Este mismo año viaja a la ciudad de Berlín, invitado por el gobierno Alemán, para crear relaciones culturales con los países del área. Este año fueron invitados por Pablo León de la Barra para participar en los Circa Labs (Puerto Rico ) para “galerías jóvenes y de vanguardia”.

El mes del maíz
Errol Caballero/ Panamá America
26 agosto, 2003

Para todas aquellas personas que buscan afanosamente algo qué hacer en la tarde del domingo un grupo de artistas guatemaltecos transformó la Plaza 5 de Mayo en una especie de circo urbano. Se trata de “Caja Lúdica” un grupo especializado en lo que se conoce como “performance” o arte público. El colectivo, entre cuyos integrantes se encuentran ex-pandilleros y gente proveniente de barrios marginales de Guatemala, siempre ha mostrado interés por explorar el fenómeno del mestizaje en América.

El mismo participa de los múltiples eventos que forman parte del proyecto “Caminos de Maíz”, un festival artístico que arrancó el miércoles pasado en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y que culminará el 22 de septiembre.

Su organizadora, Alexandra Schjelderup, comenta que esta iniciativa surge como una necesidad de hacer una revalorización del legado de las culturas indígenas en el contexto de la celebración del primer centenario de la República. “El Centenario es el momento ideal para mirar hacia dentro, hacia nuestras raíces, para tratar de entender de dónde venimos, quiénes somos”, apuntó.

¿Por qué el maíz, de todos los alimentos existentes? La promotora cultural explica que el maíz es un “común denominador” que une a todos los pueblos americanos, desde la Patagonia hasta el norte de México. “La idea era buscar un lazo unificador que nos ayude a reconciliarnos con la realidad de nuestro mestizaje, para conocer qué es lo que tenemos en la sangre, en la mente y en la piel”, precisó.

En realidad, “Caminos de Maíz” será una gran fiesta artística que no estará circunscrita a los espacios acostumbrados para la manifestaciones culturales, como es el caso del MAC, el Teatro Anita Villalaz, el Museo del Canal Interoceánico, y la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero, sino que también se estará llevando a cabo en lugares de gran convocatoria popular, como, por ejemplo, la Plaza 5 de Mayo, la Plaza de la Catedral Metropolitana y la Gran Terminal de Buses, en Albrook. Para Schjelderup ésta es una forma de asegurarse que este festival “no se circunscriba a una sola clase social, a un sólo tipo de público”.

Al mismo tiempo que se busca un público más amplio, los organizadores también se han esforzado en hacer la oferta cultural lo más variada posible, al punto que se han programado eventos que cubren casi todas las manifestaciones del arte: poesía, música, fotografía, teatro, danza, cine, video, pintura y escultura. Estarán participando artistas provenientes de Centroamérica, Francia y España.

En el MAC se estará presentando hasta el 18 de septiembre la exposición “Foto Septiembre”, en la que se exhibirán obras de los fotógrafos franceses Christophe Kuhn, Claude Lefevre, de la española Yolanda Vicente y la panameña Sandra Eleta. Sus imágenes capturan momentos de la cotidianidad característica de las comunidades indígenas.

Estas últimas estarán representadas en el festival por los artistas Selerino Cheucrama, escultor Wounaa, Oswaldo de León Kantule, pintor originario de la isla de Ustupu, en la Comarca Kuna Yala, y los poetas kunas Alban Wagua e Irik Limnio, entre otros. Estos últimos estarán participando en la creación de un poema colectivo junto a otros vates panameños, como, por ejemplo, la poetisa Eyra Harbar.

Por su parte, los cinéfilos podrán disfrutar de películas como “La Misión”, que aborda el tema del genocidio del que fueron víctimas las razas indígenas durante la conquista española y portuguesa del continente americano, así como de documentales que abordan temas como el “chamanismo”.

Además de cine, “Caminos de Maíz” también incluye “video instalaciones” como el “odiómetro”, que fue filmada por la propia Schjelderup como una crítica a los múltiples estereotipos que se le asignan a las personas de descendencia indígena en nuestro país, las cuales padecen todo tipo de términos y referencias peyorativas.

Durante la conferencia “El Maíz Rebelde”, dictada por Jorge Cocom Pech, el jueves en la noche en la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero, el poeta maya destacó el valor de las lenguas indígenas, asegurando que todavía no se ha firmado “el acta de defunción” de las mismas.

Para el defensor de las lenguas precolombinas “el español como el maya no se contradicen, sino que se complementan”. “A España le devuelvo la cruz y la campana, pero no “El Quijote”, porque ese aunque estaba loco no mataba”, agregó.

Cocom Pech, quien también es presidente de la Asociación de Escritores en Lenguas Indígenas, explicó que en la actualidad existen en México 62 lenguas indígenas, de las cuales 13 se encuentran en peligro de extinción. “Caminos de Maíz” clausurará con el concierto de la cantante mexicana Lila Downs, el 22 de septiembre en el Teatro Balboa.

El mismo participa de los múltiples eventos que forman parte del proyecto “Caminos de Maíz”, un festival artístico que arrancó el miércoles pasado en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y que culminará el 22 de septiembre.

Su organizadora, Alexandra Schjelderup, comenta que esta iniciativa surge como una necesidad de hacer una revalorización del legado de las culturas indígenas en el contexto de la celebración del primer centenario de la República. “El Centenario es el momento ideal para mirar hacia dentro, hacia nuestras raíces, para tratar de entender de dónde venimos, quiénes somos”, apuntó.

¿Por qué el maíz, de todos los alimentos existentes? La promotora cultural explica que el maíz es un “común denominador” que une a todos los pueblos americanos, desde la Patagonia hasta el norte de México. “La idea era buscar un lazo unificador que nos ayude a reconciliarnos con la realidad de nuestro mestizaje, para conocer qué es lo que tenemos en la sangre, en la mente y en la piel”, precisó.

En realidad, “Caminos de Maíz” será una gran fiesta artística que no estará circunscrita a los espacios acostumbrados para la manifestaciones culturales, como es el caso del MAC, el Teatro Anita Villalaz, el Museo del Canal Interoceánico, y la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero, sino que también se estará llevando a cabo en lugares de gran convocatoria popular, como, por ejemplo, la Plaza 5 de Mayo, la Plaza de la Catedral Metropolitana y la Gran Terminal de Buses, en Albrook. Para Schjelderup ésta es una forma de asegurarse que este festival “no se circunscriba a una sola clase social, a un sólo tipo de público”.

Al mismo tiempo que se busca un público más amplio, los organizadores también se han esforzado en hacer la oferta cultural lo más variada posible, al punto que se han programado eventos que cubren casi todas las manifestaciones del arte: poesía, música, fotografía, teatro, danza, cine, video, pintura y escultura. Estarán participando artistas provenientes de Centroamérica, Francia y España.

En el MAC se estará presentando hasta el 18 de septiembre la exposición “Foto Septiembre”, en la que se exhibirán obras de los fotógrafos franceses Christophe Kuhn, Claude Lefevre, de la española Yolanda Vicente y la panameña Sandra Eleta. Sus imágenes capturan momentos de la cotidianidad característica de las comunidades indígenas.

Estas últimas estarán representadas en el festival por los artistas Selerino Cheucrama, escultor Wounaa, Oswaldo de León Kantule, pintor originario de la isla de Ustupu, en la Comarca Kuna Yala, y los poetas kunas Alban Wagua e Irik Limnio, entre otros. Estos últimos estarán participando en la creación de un poema colectivo junto a otros vates panameños, como, por ejemplo, la poetisa Eyra Harbar.

Por su parte, los cinéfilos podrán disfrutar de películas como “La Misión”, que aborda el tema del genocidio del que fueron víctimas las razas indígenas durante la conquista española y portuguesa del continente americano, así como de documentales que abordan temas como el “chamanismo”.

Además de cine, “Caminos de Maíz” también incluye “video instalaciones” como el “odiómetro”, que fue filmada por la propia Schjelderup como una crítica a los múltiples estereotipos que se le asignan a las personas de descendencia indígena en nuestro país, las cuales padecen todo tipo de términos y referencias peyorativas.

Durante la conferencia “El Maíz Rebelde”, dictada por Jorge Cocom Pech, el jueves en la noche en la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero, el poeta maya destacó el valor de las lenguas indígenas, asegurando que todavía no se ha firmado “el acta de defunción” de las mismas.

Para el defensor de las lenguas precolombinas “el español como el maya no se contradicen, sino que se complementan”. “A España le devuelvo la cruz y la campana, pero no “El Quijote”, porque ese aunque estaba loco no mataba”, agregó.

Cocom Pech, quien también es presidente de la Asociación de Escritores en Lenguas Indígenas, explicó que en la actualidad existen en México 62 lenguas indígenas, de las cuales 13 se encuentran en peligro de extinción. “Caminos de Maíz” clausurará con el concierto de la cantante mexicana Lila Downs, el 22 de septiembre en el Teatro Balboa.

Se trazan caminos de maíz con sangre de indio
Roberto Quintero/ Diario La Prensa
24 de agosto, 2003

El artículo 19 de la Constitución Política de Panamá dice lo siguiente: “No habrá fueros o privilegios personales ni discriminación por razón de raza, nacimiento, clase social, sexo, religión o ideas políticas”. ¿Usted está de acuerdo?

Tan sencillo como esto: Karla y Lorena son dos amigas que conversan sobre música y farándula, y en eso Karla se confiesa fanática de Ben Affleck, y lamenta que él se vaya a casar con Jennifer Aniston. Lorena se sorprende muchísimo, se ríe a más no poder y le grita: “No seas tan india, niña, que él es marido de la JLo, bruta. Corre, quítate la pluma de la cabeza que ‘tas regresando a la comarca, oye”.

La palabra indio en América Latina contiene una carga semántica frecuentemente negativa, ligada a la idea de atraso, a la falta de conocimiento, falta de cultura, fealdad o suciedad. Panamá no es la excepción, pero en estos momentos los istmeños de la capital tienen la oportunidad de abrirse ante la compleja riqueza de aquella cultura hermana que niegan, y sentir la sangre indígena que corre por sus venas.

Esta semana se inauguró Caminos de Maíz, festival artístico impulsado por EnRedArte-Panamá, que pretende romper el mito de que las culturas indígenas se reducen a una mola, una tagua, o un baile, y propone un mundo de arte, música, ciencia, fotografía, cuento y teatro.

El punto de partida tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), el pasado 20 de agosto con Foto Septiembre 2003: muestra fotográfica que expone el trabajo de los franceses Christophe Kuhn, Claude Lefevre y Yolanda Vicente, la panameña Sandra Eleta, el pintor kuna Oswaldo De León Kantule y el escultor emberá wounaan Celerino Cheukrama.

Esto es solo el principio, ya que la organización ha invitado a más de 70 artistas, intelectuales y científicos indígenas o ligados al tema por su trabajo.

Hasta el 22 de septiembre, fecha de clausura, se desplazarán a la ciudad de Panamá miembros de las élites indígenas o mestizas de toda América: mexicanos, guatemaltecos, colombianos, bolivianos, peruanos, costarricenses; fuera de algunos invitados “indigenistas” de Francia y España. Obra del escultor emberá wounaan Celerino Cheukrama, que se exhibe en Foto Septiembre 2003.

La oferta es muy variada. Habrá tanto exposiciones fotográficas, pictóricas y de máscaras, conciertos, teatro de calle, presentaciones de cuentacuentos, proyecciones de películas y diversas actividades literarias; como también habrá conferencias sobre la resistencia indígena en América, los calendarios indígenas precolombinos y la historia del maíz en nuestra región, entre otros temas.

Para la noche de clausura, Caminos de Maíz tiene programado un concierto, a cargo de la cantante mexicana Lila Downs, nominada al Oscar por su participación en la banda sonora de la película Frida . Será en el Teatro Anita Villalaz el 22 de septiembre, a las 8:00 p.m., a un costo de 10 dólares.

Este gran festival indígena tiene como sedes el MAC, el Museo del Canal Interoceánico y el Reina Torres de Araúz, así como también el Instituto Smithsonian, los teatros Anita Villalaz y Balboa y áreas públicas como la Plaza 5 de Mayo, Plaza Catedral y la Gran Terminal de Autobuses. Manténgase informado del calendario de actividades a través de www.enredartepanama.org.

Sinopsis: Un documental sobre el tema de Empleadas Domesticas y su peculiar relación con sus empleadores. Ricos y pobres, bajo el mismo techo, comparten vidas enteras y como consecuencia surgen lazos emocionales muy complejos. Esta relación obrero-patronal es una de las mas intimas y a la vez distantes en nuestras sociedades. En este documental creativo, el conflicto de clases y las barreras socio-económicas y culturales en Latinoamérica son exploradas desde el interior de las casas, con una mirada irónica, irreverente y reveladora. Su director, Abner Benaim, se enfoca en aquellos que deciden, o no, mirarse a los ojos y considerarse iguales.

Ficha Técnica – Empleadas y Patrones

ABNER BENAIM (Panamá, 1971)

Las reseñas tienen algo que me gusta, son como una especie de  paréntesis para pensar sobre lo que has hecho, haces y te ves haciendo con lo que eres. Cuando te toca definir lo que has sido hasta este instante es muy complejo porque me tocaría hablar de muchas cosas pero en resumen lo definiría con 2 palabras “Observación e interpretación”.

Crecí muy receptivo en un entorno lleno de matices, texturas, aromas, lenguajes, sabores, creencias, sonidos, pensamientos y filosofías de vida, que me obsequiaron un puesto privilegiado de espectador. Desde el rotulista haciendo un enorme mural hasta lo talleres improvisados donde se intervenían con diseños los clásicos mini coopers y beetles, como también los diablos rojos. Eran tantas cosas tan curiosas sucediendo al mismo tiempo que me fui a otros lugares teniendo la costumbre de contemplar todo lo que me rodeaba. Con el tiempo fui madurando, siendo consciente que tenía un contenido y una opinión personal de lo que veía, pero no sabía como manifestarlo. En aquellos momentos era donde me acordaba que mi padre mientras me apoyaba en mis tareas, siempre ilustraba las cosas para explicármelas mejor y siento que allí empezó mi interés por el dibujo.

Empecé a dibujar y a desarrollar mi interés por la gráfica y la estética del everyday life dentro de una generación en transición de lo análogo a lo digital,, cosa que vine a comprender más adelante, ” ese  punto de la historia de la humanidad en que me encontraba y el lugar donde experimentaba esa transformación”

Cuando tenía 14 años me ganaba la vida haciendo de barbero porque me encantaba trabajar y estar expuesto a las historias, a las formas de ver la vida,  los pensamientos filosóficos de la gente que llegaba por un corte de cabello. Hoy yo lo defino como la creatividad popular y la identidad poderosa que existe en el arte vernacular. Cuando viajo en el recuerdo es ahí donde tomo como referencia “estar abierto a las posibilidades que ofrece  el dia a dia”.  Aunque muchos lo consideran KITSCH, para mi es información y en ella hay algo que puede ser estilizado si dominas la estética y composición, pero hay que comprenderlo primero para poder transformarlo en mensaje.

La llegada del ordenador me permitió utilizar herramientas de diseño de manera espontánea formándome como diseñador de manera empÍrica. Muchas cosas que  aprendí lo hice investigando online con el inicio del internet,  por eso gran parte de mi trabajo fue conocido por estar orientado al diseño multimedia. Trabajé un tiempo como director de arte multimedia en P4 y luego funde Paranoia Corp. con mi amigo Frank Zamora.

En Paranoia desarrollamos demasiados proyectos distintos y fue un ciclo de experimentación , desde compartir el conocimiento, trabajar con artistas de todo tipo, hasta explorar otras herramientas, otras disciplinas y sobre todo comprender que lo que hacemos no es una profesión, es nuestro estilo de vida. Las cosas que hacemos no definen quienes somos, ya que lo que somos define lo que hacemos” . El ciclo en nuestro estudio fue una etapa muy valiosa que hoy día recuerdo con gran respeto.

Trabaje en BB&M unos 3 años, compartiendo con mis colegas inquietudes semejantes e intercambiando información diariamente. Trabajando allí fue donde me sumergí en el estudio del diseño tanto industrial como de arquitectura, gracias al encuentro con mi amigo Pedro Altamiranda.

Creo que allí se marca otra etapa de mi vida. Había conocido a alguien con un entendimiento tan profundo de la cultura popular pero con un criterio y conocimiento tan grande y exquisito que me dije es esto a lo que siempre me he referido: ” se trata de las experiencias vividas que generan en ti un contenido y la técnica es solo el medio para intervenir con tu opinión de las cosas.

Utilizo el medios audiovisuales para dar mi punto de vista sobre lo que sea. Vivo en constante relación con todo tipo de personas y pensamientos de la misma forma que cuando era niño . Utilizo la fotografía para compartir la manera en que veo las cosas, el video para registrarlas y contar historias, el diseño para distribuirlas y presentarlas, mi sentido de investigación para darle contenido a cada cosa que hago.

Hoy día me encuentro explorando un nuevo viaje…la música. Junto con mis hermanos de siempre a los cuales admiro mucho por el conocimiento que comparten y la sinergía que hay en el trabajo y de la misma forma que el resto de las cosas que me han pasado son una nueva posibilidad para dar opinión, ahora a través del sonido quiero generar proyectos propios donde los límites son ideas imaginarias.

El ojo de la cámara no miente, a menos que el fotógrafo así lo desee.
En el caso de Cruzando el puente, la primera exposición individual del fotógrafo panameño Raphael Salazar, su ojo es honesto y sus fotos también. El contenido de esta muestra mixta que combina paisajes, retratos y naturaleza muerta que representan imágenes propias del interior panameño, las cuales existen y se pueden descubrir cruzando uno de los dos puentes que conectan a la ciudad capital con sus bucólicas provincias.

Salazar refleja en esta muestra su deseo de proyectar la relación de la persona con su hábitat, en este caso enfocando su lente en los pequeños y grandes detalles que representan a Panamá mas allá de su capital cosmopolita y los clichés turísticos. La imagen captada entonces se convierte en un espejo que refleja lo que son ellos, como sujetos, y lo que somos nosotros que compartimos una cultura y un territorio.

La documentación es importante para este fotógrafo, y las imágenes de Cruzando el puente fueron elegidas porque le comunicaron algo especial en el instante de capturarlas, y también porque están en su contexto inmediato. El lo haga con su particular ángulo ya lo convierte en un pequeño estudio antropológico, el cual podría darse donde quiera que él este con su cámara en determinado momento.

Las fotos de la muestra, todas tomadas en película y sin retoques digitales, comunican mensajes que apelan tanto a panameños como a extranjeros. Una frondosa veranera, como le dicen en Panamá a las bugambilias, es tan representativa de la belleza natural del país como el hibisco (papo) o la orquídea “del espíritu santo”, elegida como la flor nacional. Captada por Salazar, la imagen de un aparador con focos encendidos para vender y mantener calientes frituras tradicionales, como empanadas de maíz, lechón frito y hojaldres, las presenta como íconos locales.

Las vistas de la cordillera de la provincia de Los Santos, con cebúes y caballos solitarios pastando bajo un enorme cielo celeste, son vastas y pocas veces apreciadas, demostrando que aunque este mágico istmo tiene dos costas y es la cintura de Latinoamérica, no todo es playa y aun cuenta con paisajes encantadores dignos de resaltar. Las decoraciones de una fonda, con afiches de bailes y reinas de carnaval, son una muestra de kitsch istmeño con un estilo propio. Los, digamos, retratos interioranos del artista presentan al vaquero panameño, a caballo, con lazo, sombrero
y botas, una estética tradicional de la región de Azuero, pero que para un capitalino o un residente de la costa atlántica podría parecer caricaturesco.

A simple vista, se podrían aplicar slogans publicitarios de corte turístico para resumir el mensaje que Salazar presenta con sus fotos de Cruzando el puente. Sin embargo, y considerando la postura casual del artista ante sus conceptos y sujetos, se puede decir que en esta muestra él solo quiso mostrar un poco de su interior.

Raúl Altamar Arias.-
Panamá, marzo 2012

“Panamá: Paisajes Interiores  es una serie en curso de fotografías con las que trato de comprender la relación de nuestras viviendas y el estado psicológico y emocional de las personas que en ellas habitan.

Los objetos con los que decidimos rodearnos dicen y cuentan una historia de quiénes somos. Mi interés es conocer y plasmar al panameño común y corriente, por medio de los objetos con los que se rodea.  Con ello procuro entender y encontrar similitudes y contradicciones entre  diversas viviendas y estratos sociales.

A través de una mirada íntima y fija, busco detalles ordinarios del diario vivir que reflejen el estado interior de nuestra identidad como panameños. Si bien es cierto que las imágenes que conforman la muestra presentan espacios desolados, sin la presencia de sus dueños, los elementos como una almohada arrugada o una olla en la estufa sugieren  la presencia humana.

Mediante la cuidadosa composición de cada cuadro y la ausencia de  quienes habitan los espacios, invito al espectador a imaginar: ¿quién vive en ese espacio?, ¿qué hace? y, lo más importante, ¿podría yo vivir ahí?”

Mariví González